Uno de esos estudiantes crónicos es el kordobez que hace poco abrió un blog para exhibir esas locas ilustraciones personales que de ningún modo están para perdérselas. ¡Adelante con eso y dale mecha al Illustrator!

Como decía, muchos ni siquiera llegaron a recibirse de diseñadores, cosa que bajo ningún punto de vista implica un impedimento para alcanzar un nivel de desarrollo que te cagas y ante el cual me saco el sombrero. Tal es el caso de Clara y Gustavo, que se metieron de lleno con eso de la animación y motion graphics y bajo el nombre de BKR Studio han sabido colar su mejor arte por las antenas de nuestros televisores. Éxitos y mucha merde.

Hace un par de días Puño posteaba un enlace con fotomentajes de John Heartfield; por este lado voy a aportar con una librería digital que contiene escaneados a buena resolución de publicaciones dadaístas como Merz, De Stijl y Der Dada, entre otros, además de libros de autor y material afín.

Ayer me enteré que finalmente el diseño fue aprobado y ya puede verse online. Sin mucho más que decir, pasen y vean.

Playground es un espacio experimental dedicado al alfabeto, donde se congregan varios diseñadores para proponer diferentes alternativas y combinaciones a una misma historia, jugando con los límites de la legibilidad de la palabra. 26 caracteres concebidos de diferente forma, no para el comienzo de una oración, sino más bien como punto de partida de un pensamiento.

Allá por los años 50s, grandes directores de cine como Otto Preminguer o Alfred Hitchcock sintieron la necesidad de enriquecer y darle un toque de distinción a las presentaciones de sus films. Así fue que contrataron a Saul Bass, quien marcó un antes y después en lo referente al diseño de secuencias de los títulos de crédito.

La característica esencial de las obras de Bass se encamina hacia la síntesis del mensaje: comunicar una idea con la menor cantidad de recursos. Supo articular, antes que nadie, los títulos de crédito con la gráfica promocional del film (ej. afiches) y con el film en sí (continuidad/coherencia), y en lugar de acudir a las figuras del cine de su época, se sirvió de los más simples elementos gráficos en pos de destacar el concepto de la obra. En épocas anteriores, los títulos de crédito se trataban de un simple fondo negro donde se apoyaba la información dispuesta sin mucho criterio. Hasta que llegó Bass.

En 1958 diseñó los títulos de crédito del film Vertigo y dos años más tarde los de Psicosis, donde además hizo sus aportes al storyboard de la famosa escena en la ducha. También diseño varios afiches y trabajó como asesor de imagen en films como Spartacus (1961) de Stanley Kubrick y Amor sin barreras (1961) de Wise y Robins, dos superproducciones en las que se explotó el formato cinemascope en su amplitud. Más recientemente, logró concebir muy buenos diseños en films como Alien de Ridley Scott (1979), La edad de la inocencia (1993) y Casino (1995), ambas de Scorsese. (más detalles)

A partir de sus primeras innovaciones, la obra de Bass abrió el camino a toda una corriente innovadora inglesa en los 60’s que al poco tiempo se manifestó en un marcada tendencia experimental que incorporaba caracteres transferibles, variables tipográficas y empujaba los límites de la legibilidad hasta los límites. Esto puede observarse claramente en la serie televisiva de Los Vengadores y en los films de James Bond. Más recientemente evolucionó en el diseño contemporáneo de algunos estudios estadounidenses y personajes de renombre como Kyle Cooper (títulos de crédito de Se7en).

Para finalizar el artículo, aquí les dejo una transcripción de una entrevista a Saul Bass, que resume un poco el pensamiento creativo y su concepción sobre el diseño:

Transformando lo ordinario

Strathmore, Massachusetts, 1989

Strathmore: ¿Cuál es el móvil de Saúl Bass? ¿De no haber sido diseñador, qué podría haber sido?

Bass: O fui arqueólogo en mi última encarnación o lo seré en la próxima vida porque tengo un apasionado interés en la arqueología.

Strathmore: Que una persona comprometida con la cultura contemporánea, como usted, tenga interés en el pasado resulta particularmente curioso. ¿De dónde surge?

Bass: No sólo me interesa el pasado, sino el pasado muy, muy, muy remoto. Lo que me fascina es el misterio y la irrealidad del asunto. La cultura más intrigante es aquélla de la que sabemos bastante, pero no todo. Aquélla que deja agujeros que pueden ser llenados con nuestras propias fantasías e imaginación.

Strathmore: ¿Esto explica que usted coleccione fragmentos de civilizaciones antiguas?

Bass: Sí. Estos objetos, además de su belleza intrínseca, encierran un tipo de misterio especial: cierta cualidad de lo desconocido que llega a un lugar profundo y escondido.

Strathmore: ¿Qué otras pasiones tiene?

Bass: La familia, los amigos, las comidas sencillas.

Strathmore: ¿Las comidas sencillas?

Bass: Me gustan las comidas que normalmente son inclasificables cuando están preparadas de manera extraordinaria, como la sopa. Una buena sopa, un buen pan fresco. Producen un canto en el alma.

Strathmore:¿Existe alguna conexión entre ese punto de vista y su visión del diseño?

Bass: Sí. Y también de las películas. Es la noción de tomar algo “conocido”, aun algo trillado, y tratarlo de tal manera que se transforma en una experiencia completamente fresca. Algo así como transformar lo común y corriente en extraordinario.

Strathmore:¿Cómo encara un nuevo proyecto de diseño?

Bass: Llega un cliente con una definición del problema, o ideas acerca de lo que desea realizar. Algunas veces tiene una visión sofisticada de la cosa, otras no. Frecuentemente me veo empleando tiempo con el cliente para redefinir el problema, retrocediendo, yendo hacia atrás hasta el principio. No pocas veces el “problema” resulta ser un “síntoma”. Algunas veces es necesario retroceder para avanzar, para comprender realmente cuál debe ser la naturaleza de la solución.

Strathmore: ¿Una vez que comprende su naturaleza, cómo la traduce al diseño?

Bass: Mi intención con el trabajo gráfico casi siempre consiste en encontrar una frase visual que sea más de lo que parece a simple vista, o que en cierta forma sea diferente de lo que parece en una primera impresión.

Strathmore: ¿Cuáles son los medios?

Bass: La ambiguedad y la metáfora suelen ser centrales en mi trabajo, y por cierto en el trabajo de la mayoría de los cineastas y diseñadores que admiro. Mi predilección por el estilo indirecto es tanto práctica como estética. Las cosas que son lo que aparentan cumplen su función y pronto se vuelven tediosas. Lo ambiguo es intrínsecamente más interesante, más desafiante, más inclusivo, más misterioso y más potente. Obliga a volver a examinar, agrega tensión, otorga vida; y debido a que hay más a descubrir, tiene mayor longevidad.

Strathmore: ¿Hasta qué punto puede llevarse la ambiguedad?

Bass: El grado de ambiguedad es muy significativo; y varía tanto en términos de cuan apropiado sea para ciertas clases de comunicaciones, y cuan necesario sea para otras. Por supuesto que bajo ciertas circunstancias uno se ve bordeando el filo del oscurantismo. Por el contrario, el empleo tímido de la metáfora lo lleva a uno a correr el riesgo de caer en el aburrimiento. Supongo que no hay nada peor que el aburrimiento.

Strathmore: ¿Para usted sigue siendo un desafío?

Bass: Mi mayor desafío es satisfacer mis propias expectativas. Soy un crítico mucho más duro de mis propias producciones que cualquier cliente con el que me haya topado hasta el presente. En general, tiendo a superar mis ambiciones creativas para el proyecto. Esto aumenta el riesgo. Lo hace más peligroso, pero da vida a todo. La posibilidad de fracaso nos pone muy alertas.

Strathmore: ¿Qué consejo le daría a un joven diseñador que acaba de graduarse?

Bass: Una de la dificultades con que tienen que lidiar los jóvenes diseñadores y los estudiantes es un tema de percepción. Observan los excepcionales trabajos que se están realizando. Lo que ven es el producto final. No tienen conocimiento del proceso. Pueden tener la ilusión de que estas cosas realmente surgen espontáneamente de la cabeza de algún diseñador. Ésta es una percepción muy desconcertante para los jóvenes, porque se pelean con su trabajo. Lo intentan… Lo rehacen… Mejora… Se les escapa… Empeora… Vuelve… Sale. Y quizá sea algo bastante bueno, aun excelente. Pero se dicen a sí mismos: “Caramba, se hace duro y es tan difícil. ¿Realmente serviré para esto?”

Strathmore: ¿Pero qué les hace pensar que sea fácil para otros?

Bass: Existen ciertas características en el trabajo que admiran que alimenta este punto de vista. Una es que una solución realmente buena parece “inevitable”. La otra es que en la preparación el diseñador ha observado minuciosamente cada borde y cada fisura. Puede haber surgido, por ejemplo, como una serie de piezas discretas; diferentes elementos e ideas se juntaron, apelmazaron y comprimieron, se pintaron, laquearon y arenaron, y el resultado a la vista es esta esfera hermosa, impenetrable, monolítica y brillante que parece surgida en ese estado prístino desde el momento del nacimiento. La realidad del asunto es que todo el mundo trabaja para lograrlo. Trabaja muy duro para lograrlo. Y el proceso, para los diseñadores experimentados, es el mismo que el proceso para los que se inician. Todo el mundo trabaja en el emprendimiento. La única diferencia es que el diseñador experimentado ha vivido algo y tiene un seguimiento de su experiencia. Tiene menos ansiedad frente al proceso porque sabe que finalmente llegará adonde apunta. También es un poco menos reactivo. Ha trabajado un poco más, pero el proceso es el mismo. Los diseñadores tienden a alimentar estas percepciones erróneas. Dicen cosas como: “Bueno, estaba en un restaurante y garabateé esto en la servilleta…” o “Me estaba afeitando…“, “Estaba en el avión…” “Iba en el taxi…” o lo que fuere. No lo hacen con maldad, es que realmente les gustaría creer que las cosas sucedieron de esa manera. Nos resulta agradable pensar que puede pasar de esa manera. Y algunas veces es así, pero por lo general, no. De modo que las buenas noticias para los estudiantes son que todos somos iguales. A todos nos pasa lo mismo. Las malas noticias son que las cosas no van a mejorar. ¡A aguantarse!

Strathmore: ¿Cuál es su perspectiva de todo esto?

Bass: Tenemos que ser muy cuidadosos con lo que hacemos y no inflarlo. Es útil e interesante, es divertido, entretenido, aviva nuestro entorno, vigoriza nuestras vidas. Y si bien ocasionalmente puede proveernos un destello de nosotros mismos o de nuestra cultura, no representa una contribución profunda para la humanidad. Nuestra dedicación a lo que hacemos nos lleva a agrandar los valores sociales que adjudicamos a nuestra actividad. Tenemos un rol. Un rol modesto. Y por supuesto, lo queremos cumplir lo mejor que podemos. Lo realmente importante sobre el diseño, sin embargo, es que nos hace sentir a muchos de nosotros realmente bien, ¡y de nuestras vidas se trata!

(esta entrevista fue extraída del libro “Ensayos sobre diseño: diseñadores influyentes de la AGI”, Ediciones Infinito, 2001, Buenos Aires.)

Tampoco voy a decir nada acerca de la demosgracias, pero sí me voy a reservar el derecho divino que nos concede para reseñarles un fenómeno muy ligado a todo ese paquete de creencias que se trae bajo el brazo cada vez que los ciudadanos concurren felices a las urnas: el fenómeno de la ilusión.

Gira, gira, gira, hermano perro.

Ya lo dijo Epicharmus 450 años antes de que Cristo palmara en la cruz:

La mente ve y la mente oye.
El resto es ceguera y sordera.”

Optical Illusions es un compendio de todas las formas de ilusiones ópticas – por contraste, perspectiva, geométricas, gestalt, etc.- que se conocen hasta el momento. O lo que es lo mismo, esos fenómenos por los cuales se comprueba que el ojo en realidad no ve, sino que simplemente percibe información que luego será enviada al cerebro, activando una cantidad innumerable de procesos de clasificación, comparación y toma de decisión, y que una vez decodificada, se convierte en aquello que vemos o creemos ver. Porque a veces sucede que hay instancias en que el cerebro es confundido y entonces…

Aviso: procure tener a mano una bolsita de plástico.

Un par de artículos bastante elaborados que encontré recientemente, acerca de los orígenes del graffiti:

• Breve historia del graffiti, por Craig Castleman
• El graffiti americano: del tikal maya a New York, por Fernando Figueroa
• La calle como espacio extraoficional de comunicación y expresión estética, por Fernando Figueroa

Y algunos otros relacionados…

• Graffiti move, graffiti movies
• La participación de la mujer en la génesis del graffiti newyorkino, por Fernando Figueroa
• Glosario graffitero

• Las 100 portadas de álbums que no pudieron ser (vía elástico)
• 1000 great jazz album covers from Blue Note (vía Papel Contínuo)

Y como bonus track, un interesante artículo de referencia en pepsounds con un par de bandas de rock en estado puro de los 60’s que no puedes dejar pasar por alto.

Entre la música, el arte y el diseño hay un vínculo muy fuerte. Desde el arte de tapa, pasando por los afiches de lanzamiento de discos, hasta un ‘insignificante’ volante de promoción de un concierto, la gráfica actúa como una síntesis del contenido de la música y la estética de la banda, llegando a veces a convertirse en objeto de colección. Y no sólo pasa por algo estético; en el caso de los afiches y volantes también hay definida una clara función informativa: un cartel llamativo puede que te llame suficientemente la atención como para que voltees a mirarlo y de esa forma enterarte rápidamente que ese mismo día en el lugar anunciado a determinada hora va a estar tocando a un par de cuadras de tu casa esa banda que tenía ganas de ver hace rato, y que quizás de otro modo nunca te hubieras enterado. Así de rápido y efectivo.

En gigposters.com hay toneladas de afiches de gigs. Tanto que si a uno lo enganchan estas cosas, probablemente esté días enteros colgado del sitio. Porque hay de todo: desde las bandas más conocidas hasta las más raritas, pasando por todas las épocas y estilos musicales; desde las piezas más llamativas y refinadas a todo color hasta los clásicos volantes y afiches en b&n.

Las imágenes, en la mayoría de los casos, se muestran a buena resolución, y en su conjunto representan un buen repaso de todos los estilos visuales que se fueron conformando durante el siglo pasado como lenguajes definidos del arte en general y el diseño gráfico.

En cada pieza se especifica, entre otros detalles, el artista/diseñador que lo creó con un enlace a su sitio web. De los que pude llegar a ver, estos son algunos que rescaté: Jermaine Rogers, Darren Grealish, Emek, Mark Heggie y Eye noise. Los afiches también se agrupan según la banda: Pixies, The Cramps, Sonic Youth, The Killers, Misfits… ¡hasta los locales Karamelo Santo!

Es probable que hayan muchos más que valgan la pena ver. Pero eso lo irás descubriendo por tu cuenta.