2. Estuve conversando con Nacho, organizador y productor del ciclo “Una noche perfecta“. Entre otras cosas, me confirmó en exclusiva que Symns va a seguir con sus presentaciones durante el mes de noviembre. Algunos invitados que ya confirmaron su presencia son Willy Crook, Gillespi y Tito Fargo. También se está barajando la posibilidad de llevar a Cordera, Skay, Semilla y… attenti al piojo. Para estar al tanto, pueden chequear la cartelera en la web del club que organiza todo esto que al parecer se encuentra momentáneamente offline, y

10. No hay dos sin tres. Ni mucho más por ahora.

UPDATE: Nacho se acaba de contactar nuevamente para pasarme el flyer del ciclo… este viernes 4/11 a las 24 hs, con Vicente Zito Lema y los Macocos como invitados.

UPDATE: al parecer los mp3 y el zip con las fotos se habían transferido mal por ftp, el audio era lo-fi pero tampoco pa’ tanto. Ya los volví a subir de nuevo y ahora parece que anda mejor la cosa.

Sábado a la noche, club-bar a mitad de alguna cuadra del barrio de Barracas. Escaleras arriba, como en muchos otros lugares. Entrada $6 con una consumición. Mesas al fondo porque el resto estaban todas ocupadas. Junto a mí, esos tres entrañables personajes que son Estrella, Iddo y Luc. Picada, cerveza y coca-cola con hielo o más bien hielo con coca-cola. Reggae, hip-hop y ritmos humeantes golpeando justo detrás nuestro. Y los demás concurrentes con el culo pegado a sus respectivos asientos. Y el bukowski argentino en la barra o deambulando de un lado al otro zampándose un whisky o cerveza sin pausas. Y si había veda alcohólica o narcótica preelectoral o si era obligación ir a votar al día siguiente o si era verdad eso que te meten una multa si no contribuías al festín democrático, a todos les chupó el quinto forro, con toda la razón del universo. Y lo mejor de la noche que aún estaba por venir.

Fue el tercer de los cuatro ciclos titulado “Una noche perfectaâ”. No sólo fui dispuesto a escuchar y ver a Enrique Symns haciendo lo que mejor sabe hacer. También fui con la idea de registrar lo que pasaba ahí, cámara fotográfica y grabador en mano (porque ahora resulta que soy un periodista, ¿viteh?… por más que no tenga ni la puta idea de qué cuernos es o significa ser periodista, pero quién me lo va a venir a negar o a discutir con tanto charlatán de feria autodenominado escritor pululando en el under de la mesa del living room pensante de la comodidad pacata heroico-bloguera que en cualquier momento implosiona por sobredosis de contradicción o por síndrome del autito chocador, pero ya me estoy yendo del tema).

Lo cierto es que terminé con varias fotografías y una grabación de casi todo lo que desprendió esa mente inquieta y poetizada y alcoholizada y esnifada y fumada de Symns a través del micrófono. En todo ese recitar e improvisaciones verbales por encima de la banda de músicos que lo acompañaron, llegué a reconocer fragmentos de algunos textos y editoriales que escribió hace ya varios años para la Cerdos y Peces. El invitado de la noche, para esta ocasión, no fue otro que “Mosquito” Sancineto, un carismático personaje gay del ambiente del teatro porteño, que aparte de una breve entrevista que le hizo Symns, no tengo mucho más para agregar.

Al grano: fui con la idea de grabar el audio para luego pasarlo a texto pero al final decidí subirlo a la máquina y mandarlo así sin más. El asunto viene muy en plan lo-fi plagado de imperfecciones auditivas propias de un recorder análogo y una cinta de casette grabada y desgrabada diez millones de veces… De cualquier forma lo importante está ahí, y para el que nunca lo haya escuchado monologueando ni en la radio ni en algún otro lado, el material no tiene desperdicio. Para los que no estuvieron…

Descarga el audio y algunas fotos lanzadas bajo CC para hacer con ellas lo que se te cante. Casi.

Nota final: el sábado próximo 29 de octubre Symns va a estar presentándose por última vez en este ciclo a las 23 hs. en el Plasma Club de cultura – Piedras 1856, al toque de la est. Constitución.

Postdata: La crónica, según Luc.

La noticia ya recorrió el mundo: Hunter S. Thompson, ícono contracultural de los 70s, creador del periodismo gonzo, autor del libro ‘Fear and loathing in Las Vegas’, decidió ponerle fin a sus 67 años de vida en el día de ayer mediante un disparo.

Lo que sigue a continuación, no es más que una anécdota de cómo Thompson, hippie, drogón y enemigo acérrimo de la CIA, se inventó el éxito de una manera bastante peculiar.

Nos mezclamos entre las altas personalidades y ahí vino el drama. Yo estaba fumando un porro y descuidadamente tiré la ceniza, todavía ardiente, sobre el traje del gobernador. Nuestra culpa era evidente. Tuvimos que huir como ratas. Dos días después teníamos las fotos reveladas y yo intentaba desesperadamente escribir una nota sobre ellas, pero cuanto más consultaba mi block de notas, más en blanco se quedaba mi mente. Ante el temor de que no cobráramos la pasta que se nos había prometido y ante la incapacidad totalmente manifiesta de escribir algo coherente, les di (a los editores) todas mis hojas de apuntes tal y como estaban, simplemente las arranqué del block y se los di.

Bien, los muy estúpidos las publicaron punto por punto, con pausas y borrones incluidos. Cuando vi que mi nombre figuraba al pie de tal monstruoso reportaje, empecé a hacer las maletas para largarme del país. Sin embargo, de manera inesperada empecé a recibir llamadas y cartas, interesándose por mi estilo vanguardista y revolucionario. Al que yo le di el nombre de “Gonzo” en memoria de un amigo pasadísimo de Oakland, que siempre decía “cuando una persona tiene la mente peor que la de un loco de atar se dice que es un gonzo”.

Sí, desde luego mi estilo era del más puro gonzo. He ganado muchísimo dinero con esta ridiculez pero no soy rico, me he pasado diez años pagando deudas. Pero ha sido buena, es bueno vivir de la estupidez de los demás.

“Un cuento de hadas”, según él mismo.

QEPD.

Hace poco hablaba de la New Wave neoyorkina exhibiendo un mapa conceptual con los exponentes más importantes de ese movimiento.

Casi paralelamente a la New Wave, y no muy contento con éste, también comenzaba a gestarse otro movimiento vanguardista caracterizado por la anti-estética, la improvisación, la experimentación y la negación de toda idiosincrasia del rock (de todo lo conocido/hecho hasta ese entonces, incluso el punk, rechazando sus fórmulas clásicas del rock n’ roll y rescatando su espíritu anárquico y amateur). A esa oposición a todo convencionalismo previo y a la misma New Wave, se la denominó satíricamente No Wave – un juego de palabras que rechazaba los elementos comerciales de la New Wave, y una etiqueta destinada a clasificar lo inclasificable. Si la New Wave y el punk habían aportado frescura al mundo del rock revitalizando sus valores primitivos con un dejo de rebeldía que no escapaba a lo comercial, la No Wave los negó de raíz y llevó ese cambio el extremo.

La No Wave no consistió en la definición de un género musical ni de un sonido (a pesar de que varios de sus exponentes coinciden con lo que hoy llamamos “noise), más bien en una nueva concepción global de lo musical guiada por un espíritu artístico transgresor, anticomercial y radical, que vino a desestabilizar las clásicas estructuras del rock y el pop y cuyos primeros rastros podemos encontrarlos en los oscuros callejones neoyorkinos allá por el ‘77 y su imposición definitiva en 1981. Uno de sus puntos clave era la performance escénica, en pos de lograr el mayor impacto posible, articulándose con otras disciplinas artísticas: audiovisuales, artes plásticas, poesía, etc.

Brian Eno, un músico muy avispado y atento y cuyas habilidades y visiones las ha dejado bien plasmadas en varios de sus discos, fue uno de los primeros en captar el zeitgeist de esos tiempos y dar testimonio de ello editando, allá por 1978, lo que quizás haya sido el primer álbum No Wave: un compilado titulado convenientemente ‘No New York‘, que reúne a cuatro de las bandas clave de esta anti-ola: Mars, DNA, Teenage Jesus And The Jerks y The Contortions. En las propias palabras de Eno:

Muchas de las más significativas contribuciones al rock y en menor medida a la música avant garde, han sido hechas por entusiastas amateurs. Su fuerza reside en el hecho que pueden acercarse a la composición musical sin soluciones o fórmulas previamente adquiridas y carecen un rígido concepto de lo que es y no es posible hacer.

De toda esa camada neoyorkina de finales de los ‘70 y comienzos de los ‘80, quizás la banda que obtuvo mayor reconocimiento general saliendo de los pasillos del under fue Sonic Youth, cuyo mentor no es ni más ni menos que Glenn Branca, primerísimo no-waver y toda una figura de culto, con quien Thurston Moore y Lee Ranaldo tuvieron la oportunidad de tocar y experimentar tal como su Symphony No.1 lo atestigua.

(click para agrandar)

La influencia de la No Wave se hizo notar rápidamente y una escena similar también se desarrolló a comienzos de los ‘80 en Inglaterra, entre cuyos principales referentes se podría mencionar a Throbbing Gristle, PIL (John Lydon) y A Certain Ratio, y en menor medida en Alemania. A su vez, fue expandiéndose hasta rincones insospechables, tomando las formas más diversas y haciendo de los géneros musicales meras etiquetas obsoletas, fusionándose con el funk (Liquid Liquid, ESG), la disco (Dinosaur L, Walter Gibbons) y el free jazz (The Lounge Lizards, Bill Laswell). Y sus influencias no dejan de echar raíces hasta el día de hoy, incluso en el hip hop actual experimental de la mano de gente como Antipop Consortium, MF Doom, The Neptunes, etc.

Sea como fuere, a partir de la No Wave la música -o al menos una parte de ella- ya no volvería a sonar igual que antes.

Detrás de estas simples zapatillas, confeccionadas a partir de fibras de cáñamo, materiales biodegradables y procesos 100% ecológicos libres de químicos, hay toda una movida de llevar efectivamente a la práctica y contrarestar los efectos de lo que Naomi Kleim “denunció” cómodamente en su célebre libro “No Logo“. Célebre y paradójico, porque de no logo tiene muy poco.

Sin caer en las mordeduras de cola de Klein, y como contrapunto del logo “swoosh” de nike, las zapatillas vienen con un auténtico anti-logo despojado de todo tipo de copyrights: un sencillo dibujo cosido a mano que si se lo mira muy por encima, pasa como un espacio en blanco. A su vez, cada comprador de las Blackspot Sneaker pasará automáticamente a ser un “accionista” de la organización: cada par viene junto a un certificado con un número único, que luego el comprador podrá ingresar como password en la web de blackspotsneaker.org para de esa forma votar y expresar sus opiniones en cada toma de decisiones de esta anti-corporación. Otro ‘detalle’ es que oficialmente y de forma transparente se dan a conocer públicamente las condiciones y salarios de los trabajadores que hacen posible la fabricación de las Blackspot Sneaker en Portugal.

El calzado en cuestión fue diseñado por John Fluevog, es fabricado bajo la supervisión de Vegetarian Shoes, y forma parte de un proyecto de The Blackspot Anticorporation, una organización sin fines de lucro perteneciente a la Adbusters Media Foundation.

Recientemente, la editorial Colihue acaba de editar una completísima antología dedicada a la poesía beatnik, centrada en las obras de Allen Ginsberg, Jack Kerouac, Gregory Corso y Lawrence Ferlinghetti. El gran ausente es William Burroughs, que nunca escribió poesía, aunque una página de cualquiera de sus libros contiene tantas imágenes como un poema de Rimbaud.

La selección de textos y traducción estuvo a cargo de Elvio Gandolfo, responsable también de escribirle un extenso prólogo acerca del movimiento beat y de los personajes que lo componían. Pueden leer un extracto del mismo en el suplemento ‘Radar Libros’ de Página/12.

Y ya que hablamos de beats, les recomiendo un artículo dedicado a William Burroughs salido hace muy poco en el blog de Rizomas.

UPDATE: más información sobre estos poetas y varios de sus poemas en versiones de Esteban Moore.

Jamie Reid es el célebre diseñador que le puso un alfiler de gancho al labio de la reina Isabel durante los actos del Jubileo en Inglaterra en 1977, y el autor de la elegida como mejor portada de disco de todos los tiempos. No sólo ejerció una gran influencia en diseñadores posteriores de la talla de Neville Brody y Vaughan Oliver; también lo hizo con el proceso del diseño en particular: fue el primero en lograr adaptar el espíritu del movimiento punk a las posibilidades técnicas de la gráfica, impulsando la democratización del proceso de autogestión y anulando las divisiones entre la habilidad expresiva y creativa, y lo meramente cotidiano.

LOS ANTECEDENTES

Jamie Reid nació en 1947 y creció en el seno de una familia con ideales socialistas. Obsesionado por las obras de Jackson Pollock, Jamie Reid encaminó sus estudios hacia las escuelas de arte.

El levantamiento ocurrido en París y el resto de Francia durante el mayo de 1968 tuvo un fuerte impacto en la juventud de todo el mundo: en parte porque fue la primera insurrección urbana televisada, en parte porque marcó a toda una generación clamando por sus derechos políticos. Los signos más identificables del Mayo Francés fueron los afiches y graffitis. Los slogans pintados e impresos por doquier fueron el medio para propagar la revuelta. Frases como Pide lo imposible o La imaginación al poder‘ hicieron que la esencia de complejas ideas, de repente sean entendibles fácilmente por cualquier persona.

La Internacional Situacionista (IS), organizada en 1957 por Guy Debord, fue un grupo que alcanzó notoriedad durante el levantamiento parisino, cuando las consignas y eslóganes alcanzaron su máxima difusión. Los principales referentes de este grupo eran los surrealistas de la década del ‘20 y algunos dadaístas, como Hugo Ball y Tristan Tzara. Su actividad se encaminó a difundir sus ideas mediante el empleo de material gráfico en forma de avisos, comics, graffitis y anárquicos collages.

Afiches y panfletos creados por Guy Debord y a IS.

La juventud inglesa rápidamente se sintió identificada con el acontecimiento, y algunos estudiantes, entre ellos Jamie Reid, Fred Vermorel y Malcolm McLaren (todos ellos compañeros de la escuela de arte del barrio londinense de Croydon), comenzaron a organizar sentadas y actos de protesta. El Mayo Francés les había abierto los ojos:

Pasé de ser un simple estudiante preocupado por su propio nicho, a estar muy atento acerca de lo que estaba ocurriendo en otras partes del mundo… lo que estaba sucediendo en París, las revueltas en los barrios negros como el Watts, en los EE.UU. Realmente sentí que tenía control sobre mi propia vida y sobre mi entorno.

PRENSA COMBATIVA

Así fue como aprendió un lenguaje – el visual, y el de los slogans- para articular sus angustias e ideales. En 1973, con el fin de comunicar sus mensajes mediante la combinación del arte, la política y el diseño, co-fundó el Suburban Press, un periódico local de espíritu conmbativo y anarquista que criticaba agudamente la planificación urbana de Croydon.

Reid producía sus propios afiches, revistas y panfletos a favor de los grupos squatters, prisioneros políticos, el movimiento negro y el feminista. Nunca ocultó su simpatía por los pensadores libertarios como Charles Fourier y llegó a publicar libros con pensamientos de William Morris y Digger Gerrard Winstanley.

El Suburban Press venía cargado de afiches diseñados por Reid.

‘Ahorre petróleo, queme sus autos’ y ‘Manténgase en calor este invierno: haga lío’ eran algunas consignas que Reid difundía a través de stickers incluídos en el Suburban Press como parte de su campaña social.

Uno de los números del Suburban Press fue entregado junto a un llamativo sticker rojo que rezaba: “Oferta especial, sólo esta semana, el local recibe ladrones”, el cual era pegado sistemáticamente en vidrieras de comercios y supermercados. Y la falta de presupuesto constante y de tiempo para editarlo daba lugar a las improvisaciones: el recorte y uso de letras y fotografías de diarios y otros medios impresos evadía el lento proceso de la composición tipográfica por parte de un profesional. El espíritu del Suburban Press terminó por sentar un precedente inmediato y se constituyó como la fuente inspiradora de los primeros fanzines que comenzarían a circular por Londres en 1977.

NEVERMIND THE OLD NEWS, HERE’S JAMIE REID

Corría 1976 y Malcolm McLaren, padrino y manager de una desconocida banda llamada Sex Pistols, le envió un telegrama: ‘Tengo a estos chicos, estoy interesado en trabajar contigo nuevamente‘. Reid, sin titubear, se hizo cargo del puesto de director artístico.

No era el fenómeno en sí lo que me interesaba. Vi al punk como parte de un movimiento artístico que venía desde hace por lo menos cien años, con raíces en la propaganda de agitación rusa, el surrealismo, dada y el situacionismo. Solía hablar bastante con John Lydon (cantante de la banda, más conocido bajo el pseudónimo de Johnny Rotten) acerca de los situacionistas, y del Suburban Press. Los Sex Pistols parecían el vehículo perfecto para comunicar ideas de forma directa a la gente que no era receptible a los mensajes del ala política izquierda.

De esta manera, Reid, junto a McLaren y la diseñadora de modas Vivienne Westwood, hicieron del grupo, el epicentro del naciente movimiento punk. El dadaísmo se convirtió en su mayor fuente de inspiración: tomar lo trivial, los residuos del mundo, para construir algo nuevo y estamparle un significado igualmente novedoso. El recorte y el collage que Tristan Tzara había promulgado, estaban a la orden del día. Con una postura radical y una estrategia encaminada al shock y al escándalo, Reid empujaba la estética de los Sex Pistols hasta el límite.

El uso de letras extraídas de diversos medios impresos y el collage empleados por Reid tienen su origen en las técnicas de composición dadaístas. Izquierda: Portada del single ‘Holidays in the Sun’. Derecha: Afiche promocional del single ‘Pretty Vacant’.

El primer disco del grupo, titulado Nevermind the Bollocks, Here’s the Sex Pistols (1977), cuya portada era una imitación deliberada de los avisos comerciales de jabón en polvo, fue varias veces rechazado y enjuiciado por la corte de Nottingham debido al uso de la palabra ‘pelotas’ en su título. A pesar de esto, se lo consideró legal y sus ventas nunca descendieron, hasta llegar a ser uno de los discos más influyentes en la historia del rock.

Portada del primer disco de los Sex Pistols.

Su primer single, una especie de manifiesto y la presentación oficial al público de forma abierta, fue igualmente escandaloso. Anarchy in the UK se promocionó a través de un afiche formato A3 que mostraba a la bandera británica hecha pedazos, lo que les valió otra prohibición por parte de las radios y cadenas disqueras.

Afiche de promoción del single ‘Anarchy in the UK’. La imagen
de por sí les valió la cencura en radios y disquerías.

Otros afiches diseñados para la campaña de ‘Anarchy…’.

El acto de intervenir fotos de la reina (como lo hiciera Marcel Duchamp décadas atrás cuando le agregó bigotes a la Mona Lisa) fue producto de la relectura de un viejo volante situacionista del mayo del ‘68 que mostraba a una momia con un alfiler de gancho. Otras intervenciones incluían esvásticas. Estas imágenes fueron empleadas para la portada de su segundo single, ‘God save the Queen‘. También fueron reproducidas en afiches, avisos y volantes, lo que provocó, nuevamente, otra censura.

Portada del single ‘God Save the Queen’.
Recientemente fue elegida como mejor portada de disco de todos los tiempos.

Afiches con la imagen de la reina en sus ‘múltiples versiones’.
Izquierda: Alfiler de gancho y la leyenda “Ella no es un ser humano”.
Derecha: Alfiler de ganchos y esvásticas en los ojos.

ESOS SLOGANS TAN PEGADIZOS…

Reid fue muy hábil en la utilización de recursos gráficos para construir los mensajes. Pero su verdadero talento residía en su capacidad para lanzar consignas y slogans que calzaban justo en el movimiento punk: ‘dinero del caos’, ‘nadie es inocente’, ‘nunca confíes en un hippie’, ‘cree en las ruinas’ o ‘la gran estafa del rock and roll necesita de carne joven’.

Diversos slogans ideados por Reid.

La obra de Reid demostró el rol -y la influencia- del diseño en la industria musical, y se convirtió en un referente fundamental para la generación post-punk del diseño -aquel grupo formado por Neville Brody, Terry Jones, Peter Saville, Barney Bubble y Vaughan Oliver (encargado del arte de The Pixies)- definiendo un estilo efectivo al alcance de todos, sin necesidad del uso de costosa tecnología. En los agitados días londinenses, el diseño emergía del taller y salía a la calle bajo el lema que encarna el espíritu punk: DIY (Hazlo tú mismo).

LO QUE VES ES LO QUE QUEDA

En los años siguientes continuó trabajando para movimientos políticos y civiles, algunas bandas como los Dead Kennedys, y editó varios libros.

Jamie Reid.

En un ensayo acerca de la situación actual de los lenguajes visuales a finales de los 80s, Reid señalaba la caída de los mismos en un estado total de paradoja.

(…) Nunca existió tal profusión de información visual, y nunca ese contenido ha sido tan superficial y orientado al consumismo. Como si todo fuese un constante aviso de TV. El matrimonio entre avaricia y estilo. De alguna manera, la sociedad del espectáculo ha llegado a su mayoría de edad. Los medios y la TV han reducido la política, la religión y la cultura al nivel de una telenovela, compartiendo la misma cama mediática (…)

Sabias y visionarias palabras de un personaje anárquicamente correcto.

OTRAS OBRAS DE REID

Portada de la publicación contracultural ‘Vague’. En ella puede observarse el rostro encapuchado del presidente de la Virgin Records.

Diseño del isologo para el sello musical ‘Visual Stress’.

Afiche para el sello musical de Boy George ‘More Protein’.

Portada del disco ‘No Regrets’.

ENLACES DE INTERÉS

• Página oficial de Jaime Reid, con biografías, galería de obras, entrevistas, etc.
• Jaime Reid en sus propias palabras (extractos de su libro Up They Rise: The incomplete works of Jamie Reid, 1987)
• Libro on-line completo y en castellano de ‘La sociedad del espectáculo, de Guy Debord.

Coincidiendo con la reciente presentación comercial en la Argentina del DVD de su film ‘Grass’ (encaminado a desmitificar los demonios y falsos discursos en torno a la marihuana) impulsada por la revista La Mano, a partir del viernes 13 hasta el viernes 20 se realizará, en la sala Leopoldo Lugones del Teatro Municipal San Martín, una completa retrospectiva de la obra de Mann.

Entre los varios films que se proyectarán, quiero resaltar el que lleva por título Poetry in motion, un registro cinematográfico de más de 25 escritores -Burroughs, Bukowski, Ginsberg, Waits, etc.- recitando sus propios poemas. El film tendrá lugar el sábado 14. Imperdible.

UPDATE: en el suplemento Radar del periódico Página/12 de este domingo pueden leer una reseña con información más precisa acerca de la restrospectiva en cuestión y las demás películas a proyectarse.

En un post reciente hablaba de la patafísica. Quizás en honor a esta “ciencia”, es que existe una publicación australiana que lleva este nombre: Pataphysics Magazine, una revista impresa con un enfoque contracultural. En el sitio web pueden leerse algunos contenidos online de la misma, como esta entrevista exclusiva a Larry Clark (fotógrafo y director de films como ‘Kids’ y ‘Ken Park’), y esta otra al gurú del ácido lisérgico en los 60s, el excéntrico Timothy Leary.

A principios de los ochenta, empezó escribiendo poesía y relatos cortos. También fue el editor de la ya desaparecida revista de literatura “Little Caesar”, ha vivido en Nueva York y en Amsterdam, y le gustan grupos como Husker Du, Sebadoh, The Smiths y Sonic Youth -es el autor del texto en la reedición CD de “Sister”. Así es que Dennis Cooper lleva más de tres lustros explorando y llegando a los límites de lo permitido en lo que se refiere a la literatura y su efecto sobre nuestras vidas.

Nacido en Pasadena (California) en 1953, hijo de una alcohólica y de un fabricante de misiles amigo de Nixon, Cooper es uno de los pocos representantes de la literatura gay más políticamente incorrecta. Tan incorrecto que hasta quizás sea el único escritor gay que haya recibido amenazas de muerte desde un sector de la propia comunidad homosexual, que lo tilda de sufrir “homofobia internalizada” y de ser un “virulento anti gay”.

Cooper escribe alejado de cualquier pretensión moral y cliche artístico, y todo lo que sucede allí es porque no podría ser de otra manera: relatos brutalmente cotidianos bajo el común denominador del inevitable desenlace trágico y violento, conducidos a través de el sexo, la homosexualidad, las drogas, los sueños mutilados, la pornografía infantil, el nihilismo, el vacío, etc., todos puntos de referencia de una obra cercana al espíritu de Burroughs, Bataille, Genet o Sade. El típico lenguaje de cine X, el gore y el rock sonando de fondo (Jesus & Mary Chain, Sonic Youth, el punk…) terminan de darle forma a sus historias.

Con un poco de retraso, algunos de los libros de Cooper están disponibles en castellano: las novelas “Contacto” (“Closer”, 1989; Anagrama 1994), “Cacheo” (“Frisk”, 1991; Anagrama, 1995) y “Tentativa” (“Try”, 1994; Anagrama, 1996). Editorial Acuarela también editó “Dream Police”, libro que reúne por primera vez en castellano los mejores poemas de toda su trayectoria, incluyendo una selección de material no publicado en la edición original. Ahora sólo resta conseguirlos.

Más info:

• “Soy homosexual, pero la cultura ‘gay’ me parece tan conservadora como la heterosexual” – Entrevista.
• “Bardos, adolescentes y chuletas” – Entrevista.
• Dennis Cooper – Sitio oficial

Colaboró: SerpenS^