Y así y todo, en algún momento de la carrera de diseño (allá lejos y en el tiempo) nos tocó centrarnos en el estudio y análisis de cosas como estas… Motion, integración en secuencia, tipografía en movimiento y demás en los títulos de crédito de apertura de films. Toda una ciencia (¿o un arte?) que se inició hace varias décadas atrás con el trabajo de Saul Bass.
Y ya que estamos más o menos en tema, para los que esperan la reanudación de la cuarta temporada de Lost, prueben a bajar los niveles de ansiedad con Carnivale, una serie producida por HBO que data del 2003 con altas dosis de suspenso y mística, por llamarlo de alguna manera. Incluso se lo puede ver a Michael J. Anderson (el enano surrealista de la Habitación Roja de Twin Peaks) en un brillante papel coprotagónico a lo largo de toda la historia. De hecho en Carnivale se puede advertir un claro mix de influencias a partir de la serie de Lynch y de Freaks de Todd Browning.
Sin mucho más que aclarar… 24 capítulos que te dejan con el culo atornillado al asiento. Disponible en bitorrent y en su videoclú amigo.
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W. S. Burroughs no sólo aplicó el método del cut-up a la literatura: también lo hizo con el séptimo arte. UbuWeb ya recopiló todos sus experimentos fílmicos y los colgó para su libre descarga, contextualizando y acompañándolos con un ensayo que en algún otro momento de mayor lucidez y sobriedad trataré de asimilar… quizás. Se recomienda también volver a revisar “Un espectador para el film biológico“, una entrevista que transcribí ya hace un buen tiempo.
Mención aparte, el resto de la sección fílmica de la UbuWeb también anda cargado de cosas interesantes que seguramente serán comidilla para los cinéfilos.
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El poder de los sueños. O un alucinatorio Civic visto a través de los ojos de Salvador Dalí en tiempos de motion graphics, de la mano de la gente de Lost in Space.
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Y hablando de Lynch, ¿hay alguien por ahí que aún no haya visto esa enigmática serie de culto de comienzos de los 90’s que rompió con todos los moldes clásicos televisivos de suspenso y misterio hasta esa fecha? Me refiero a Twin Peaks, que en su momento fue transmitida en Argentina por Canal 9 en una versión resumida y poco respetuosa, y que paralelamente mantuvo a millones de teleespectadores frente a la pantalla haciéndose la misma pregunta: ¿Quién mató a Laura Palmer?
No hace mucho me enteré de “Fire walk with me” (1992) que vendría a ser la precuela de la serie en forma de largometraje (en algunos países fue lanzado bajo el título de ‘Twin Peaks: The Movie’). Por la manera en que Lynch y Frost decidieron narrar TP, la protagonista principal aparece solamente al principio de la serie y en otras fugaces ocasiones ya que solamente opera como disparador de la historia, pero es aquí en FWWM donde finalmente podemos ver a Laura (interpretada como de costumbre por Sheryl Lee) transitando su última semana de vida, y en donde todas esas vagas referencias hacia ella en TP y otras oscuras y perversas costumbres de los habitantes de ese pueblo se tornan visualmente explíticas. No con tanto detalle como Lynch planeó en un comienzo, ya que por cuestiones ajenas resulta que la gente encargada de su distribución y comercialización decidió reducir las 3:40hs de duración originales a 2:10. La indignación de la gente frente a eso fue tal que actualmente existe una campaña mundial a favor de que finalmente se edite un DVD collectors edition con todas las escenas borradas, a través de conversaciones con Lynch y negociaciones con la distribuidora. Porque esa carnicería de edición dejó colgada varias cosas que hacen aún más incomprensibles al ya de por sí incomprensible David Lynch. Uno de esos tantos descuelgues es el furtivo y confuso papel que desempeña David Bowie, quien se supone que está hospedado en un hotel de Buenos Aires según leo después en una sección de esa imprescindible guía que es twinpeaks.org.
Comentario aparte, el haber visto FWWM me devolvió cierto fanatismo por TP y me llevó a ver la serie de pé a pá (38 capítulos en total) esta vez sin cortes ni dudosas traducciones. Pero la cosa no termina ahí y como sospeché en algún momento, en la red hay muchos datos interesantes difíciles de conocer por otros medios. Así me fui enterando de que se llegaron a editar varios libros complementarios a la serie, entre otras cosas. El más interesante quizás sea “The Secret Diary of Laura Palmer”, que fue escrito por la ¿hija? o ¿esposa? de Lynch durante el rodaje de la serie… por fortuna algún alma caritativa ya se ha encargado de ponerlo a disponibilidad del mundo. Y mejor ni hablar de las convenciones anuales que organizan y realizan los fanáticos (en ese pueblo donde se filmó la serie que de hecho existe y queda pegado a Seattle) y a las cuales generalmente también acuden varios actores de la serie para agregarle una cuota extra de entusiasmo al rollo. Pero eso ya es demasiado…
En fin. Para los que aún no vieron nada de nada, este servidor les recomienda descargarse toda la serie desde los lugares habituales de la red (o conseguirse los DVD’s; si no me equivoco la primera temporada tiene distribución local), y luego ver FWWM. O solamente la película…
Twin Peaks no hubiera sido posible sin la confianza en el poder del subconsciente. Estoy interesado principalmente en el lado oscuro de la vida, lo desconocido, lo temible. No hace falta haber visto la serie para entender la película, porque Twin Peaks está en todas partes. No es un lugar. Es una condición.”
Palabras de Lynch.
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In this 50-minute avant-garde film based on a story by the surrealist writer Kyoka Izumi, director Shuji Terayama uses the pretext of a young man’s determination to recover the lyrics and music to a song he loved in his childhood in an exploration of widely variant perceptions of reality.
Se recomienda ver entonces Kusa-meikyu (a.k.a. Grass Labyrinth, 1983), una de las últimas películas que filmó Terayama. A quien se lo conoce ni más ni menos como el David Lynch nipón: onírica, fantasía y perversión en altas dosis.
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Dos hermanos escribieron una historia, y luego la plasmaron en la pantalla, y en un abrir y cerrar de ojos él está ahí, haciendo lo que le tocó hacer mientras sostiene un cigarrillo eterno y una mirada que evoca la más absoluta quietud. Pero no es una tranquilidad ordinaria sino más bien una perturbadora calma lo que transmite, ni son sus acotados diálogos ni sus acciones lo que comunican: es esa vocecita en off hecha pensamiento que nos revela en cada detalle las miserias latentes que se avecinan. La idea era una locura. Y sin embargo lo piensa, una y mil veces lo piensa, en medio de toda esa calma, ata cabos aquí y allá, ¿de qué carajos estás hablando?, mientras el humo del tabaco se fusiona y se enrosca entre los grises contrastes del celuloide. Como una llamada en la medianoche que se mezcla con el aire y con lo que queda de todo aquello. En la penumbra de su casa o del bar de turno. O entre los rayos de luz que pueblan la barbería. O en cualquier otro lugar a donde vaya. ¿Qué clase de hombre eres?, mientras su boca exhala un humo escurridizo que se va precipitando sin escalas a la más mala de las suertes, al más negro de los destinos. Y entonces la suerte está echada: no hay margen de elección, ni habrá escapatoria posible sino a través de pequeños pedazos de una sinfonía demasiado perfecta que se proyecta desde la fragilidad del comienzo hasta el último de los finales posibles, y sólo así.
The man who wasn’t there (a.k.a. The Barber) / Joel Coen & Ethan Coen / 2001 / De lo mejorcito que vi este año.
PS: Por si el videoclub amigo se encanuta, por aquí anda el enlace para la mula. Y el sub corregido y sincronizado para esa versión.
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Hacía rato que no me reía tanto en el cine, ni presenciaba en pantalla grande un film animado. La culpa, en este caso, la tuvieron las animaciones de Bill Plympton, aquel dibujante que consiguió ser reconocido mundialmente por sus cortos animados exhibidos en los separadores de MTV y un comercial de Fox, en donde todas las secuencias transcurrían mostrando un rostro dibujado a lápiz sobre el cual el dibujante desarrollaba sus gags.
Más pistas: sus obras más conocidas sea quizás “Your face” y Push comes to shove“, una secuencia inspirada en Laurel and Hardy propiciándose golpes el uno al otro. Este estilo es tan característico y se fue repitiendo varias veces a lo largo de sus obras, a tal grado que para referirse a él se ha creado el término de la ‘plympmanía‘. Aquí en Argentina estas animaciones también podían verse frecuentemente hace un par de años atrás en el ya desaparecido y fenomenal programa de TV “Caloi en su tinta”. Quien no lo haya visto siquiera alguna vez, que levante la mano.
El ciclo tuvo lugar el pasado viernes en el marco del 7mo Festival Internacional de Cine Independiente en Buenos Aires (BAFICI), y comenzó con una breve charla introductoria del propio Plympton contando algunas particularidades del estreno y detalles de su forma de trabajo y su obra en general. A continuación le siguió una seguidilla de cortos de todas las épocas, algunos de ellos censurados de la tv comercial por su ‘grado de violencia’. Entre ellos figuraron “Sex and violence” y “Parking Lot”, dos obras maestras del humor animado, tan ágiles y sorprendentes como escatológicas y de “buen gusto”. Para esta altura ya tenía el estómago estrujado de la risa pero la reina de la noche aún estaba por llegar.
Hair High es el último largometraje de Plympton y cuando aún ni siquiera se estrenó en los EE.UU., tuvimos la suerte de poder presenciar la premiere latinoamericana. Como de custumbre no voy a dar muchos detalles de este film animado; nada más diré que la historia dura aproximadamente 75 mintos y surgió de un sueño que tuvo Plympton con un coche hundiéndose en el océano con dos cuerpos en su interior. También es el primer film de Plympton en el que participan algunas celebridades de Hollywood haciendo las voces (David y Keith Carradine, Beverly D’Angelo, Eric Gilliland, Sarah Silverman…)
Por lo demás, ya quedan avisados: si alguna vez por esas casualidades leen su nombre en alguna cartelera de cine o videoclub, no lo piensen ni siquiera una vez: olvídense de todos los compromisos y ocupaciones pendientes, abran bien los ojos y deléitense aunque sea sólo por un rato con el maravilloso mundo de Bill Plympton.
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La historia se centra en dos cínicas jovencitas que viven burlándose del convencionalismo social y el de sus compañeros de escuela. Pero la diversión despreocupada se esfuma ni bien se gradúan, debiendo afrontar ese confuso período entre la adolesencia y la vida adulta que pone a prueba incluso la permanencia de las amistades.
Eso que acabo de escribir no es más que una vaga sinopsis de Ghost world, todo un hito en el mundo del cómic, cuyo creador fue el guionista y dibujante Daniel Clowes. Vaguísima sinopsis si las hay, porque de interesarles pueden leer este resumen o este otro artículo con muchísimos más detalles y datos útiles.
O quizás prefieran hacerlo a la inversa: ir a la fuente (en inglés, versión pirata escaneada), o alquilarse el dvd/vhs de la versión cinematográfica (adaptada y llevada impecablemente a la pantalla de la mano de Terry Zwigoff, responsable también del imperdible documental basado en la vida del artífice del cómic underground, Robert Crumb), y recién después, enterarse de los detalles.
O, como ustedes prefieran.
Por cierto, el enlace del cómic lo robé impunemente de a best truth, weblog de visita obligatoria.
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Después de ver por primera vez cualquier film del japonés Takashi Miike (o prácticamente cualquier film proveniente de Japón, y oriente en general) uno vuelve a recordar, o termina de convencerse -sin dejar de sorprenderse- de que efectivamente hay vida después de Hollywood. Que hay historias mucho más interesantes que las que suele contar el celuloide made in USA al que tanto nos ha acostumbrado el mercado del cine, y que pueden ser contadas también desde otro ángulo.
Luego de ver un segundo film de Miike, uno ya va presintiendo que este señor cuenta con una visión muy particular del mundo, alguna pizca de locura, sana demencia o imaginación retorcida traducida de forma efectiva y natural al arte al que se dedica (mucha más de la que pueda llegar a presenciar en cualquier obra de Lynch, Cronemberg y/o Tarantino), ningún interés en la adoración de las masas y poco interés por encasillarse a un género establecido, creando el suyo propio. Y el hecho de que no haya estudiado la carrera, se traduce en un respeto inexistente por las reglas de la academia a las que suele adherir e imponer el cine en general.
Al tercer film uno termina de corroborar ese presentimiento y para ese entonces ya no hay marcha atrás: la lente particular de Miike habrá seducido por completo al espectador, el cual tratará de procurarse a partir de allí y en la medida en que le sea posible, cualquier otro largometraje que lleve puesta la firma del director. Que no son pocos (más de 40). Y ni hablar si se tiene en cuenta también el total de su filmografía, lo que incluye miniseries televisivas y otras producciones en las que coopera, incluso las que sólo aparece como actor. No deja tampoco de sorprender la frecuencia con la que concibe sus films en tan sólo un año (hasta cuatro), ni el tiempo relativamente ínfimo en el que produjo toda esa batería de proyección audiovisual hasta la actualidad: desde 1991, Miike ha venido demostrando que es una auténtica máquina descontrolada de filmar, sin caer en la repetición calcada o la pérdida de calidad que ello pueda llegar a suponer.
Sólo después de leer su biografía, es que uno comienza a comprender de a poco el porqué del cine de Miike, que toda esa carga explícita de locura, violencia, sadismo, perversión y otras temáticas obsesivas de sus films no aparecen allí por puro cliché o capricho infundado. En este sentido, quizás algunas de sus palabras sean más que esclarecedoras.
Las recomendadas: Dead or Alive (2000), Audition (2000), The City of Lost Souls (2000), Graveyard of honour (2002, reversión del film original del ‘76 de Kinji Fukasaku, creador de la célebre Battle Royale), Gozu (2003) y seguramente muchas otras más que aún no tuve oportunidad de ver. Que no son fáciles de conseguir a causa de los tradicionales sistemas de distribución que no despegan el ojo de todo aquello que suponga un éxito de taquilla de ventas millonarias. Pero mientras tanto estaré atento a todo ciclo o festival independiente local donde se proyecten sus películas, y ocupando el ancho de banda en descargarme de la red P2P todo lo relacionado a Miike que encuentre por allí. Ustedes, ¿qué esperan?
Otras entrevistas:
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Allá por los años 50s, grandes directores de cine como Otto Preminguer o Alfred Hitchcock sintieron la necesidad de enriquecer y darle un toque de distinción a las presentaciones de sus films. Así fue que contrataron a Saul Bass, quien marcó un antes y después en lo referente al diseño de secuencias de los títulos de crédito.
La característica esencial de las obras de Bass se encamina hacia la síntesis del mensaje: comunicar una idea con la menor cantidad de recursos. Supo articular, antes que nadie, los títulos de crédito con la gráfica promocional del film (ej. afiches) y con el film en sí (continuidad/coherencia), y en lugar de acudir a las figuras del cine de su época, se sirvió de los más simples elementos gráficos en pos de destacar el concepto de la obra. En épocas anteriores, los títulos de crédito se trataban de un simple fondo negro donde se apoyaba la información dispuesta sin mucho criterio. Hasta que llegó Bass.
En 1958 diseñó los títulos de crédito del film Vertigo y dos años más tarde los de Psicosis, donde además hizo sus aportes al storyboard de la famosa escena en la ducha. También diseño varios afiches y trabajó como asesor de imagen en films como Spartacus (1961) de Stanley Kubrick y Amor sin barreras (1961) de Wise y Robins, dos superproducciones en las que se explotó el formato cinemascope en su amplitud. Más recientemente, logró concebir muy buenos diseños en films como Alien de Ridley Scott (1979), La edad de la inocencia (1993) y Casino (1995), ambas de Scorsese. (más detalles)
A partir de sus primeras innovaciones, la obra de Bass abrió el camino a toda una corriente innovadora inglesa en los 60’s que al poco tiempo se manifestó en un marcada tendencia experimental que incorporaba caracteres transferibles, variables tipográficas y empujaba los límites de la legibilidad hasta los límites. Esto puede observarse claramente en la serie televisiva de Los Vengadores y en los films de James Bond. Más recientemente evolucionó en el diseño contemporáneo de algunos estudios estadounidenses y personajes de renombre como Kyle Cooper (títulos de crédito de Se7en).
Para finalizar el artículo, aquí les dejo una transcripción de una entrevista a Saul Bass, que resume un poco el pensamiento creativo y su concepción sobre el diseño:
Transformando lo ordinario
Strathmore, Massachusetts, 1989
Strathmore: ¿Cuál es el móvil de Saúl Bass? ¿De no haber sido diseñador, qué podría haber sido?
Bass: O fui arqueólogo en mi última encarnación o lo seré en la próxima vida porque tengo un apasionado interés en la arqueología.
Strathmore: Que una persona comprometida con la cultura contemporánea, como usted, tenga interés en el pasado resulta particularmente curioso. ¿De dónde surge?
Bass: No sólo me interesa el pasado, sino el pasado muy, muy, muy remoto. Lo que me fascina es el misterio y la irrealidad del asunto. La cultura más intrigante es aquélla de la que sabemos bastante, pero no todo. Aquélla que deja agujeros que pueden ser llenados con nuestras propias fantasías e imaginación.
Strathmore: ¿Esto explica que usted coleccione fragmentos de civilizaciones antiguas?
Bass: Sí. Estos objetos, además de su belleza intrínseca, encierran un tipo de misterio especial: cierta cualidad de lo desconocido que llega a un lugar profundo y escondido.
Strathmore: ¿Qué otras pasiones tiene?
Bass: La familia, los amigos, las comidas sencillas.
Strathmore: ¿Las comidas sencillas?
Bass: Me gustan las comidas que normalmente son inclasificables cuando están preparadas de manera extraordinaria, como la sopa. Una buena sopa, un buen pan fresco. Producen un canto en el alma.
Strathmore:¿Existe alguna conexión entre ese punto de vista y su visión del diseño?
Bass: Sí. Y también de las películas. Es la noción de tomar algo “conocido”, aun algo trillado, y tratarlo de tal manera que se transforma en una experiencia completamente fresca. Algo así como transformar lo común y corriente en extraordinario.
Strathmore:¿Cómo encara un nuevo proyecto de diseño?
Bass: Llega un cliente con una definición del problema, o ideas acerca de lo que desea realizar. Algunas veces tiene una visión sofisticada de la cosa, otras no. Frecuentemente me veo empleando tiempo con el cliente para redefinir el problema, retrocediendo, yendo hacia atrás hasta el principio. No pocas veces el “problema” resulta ser un “síntoma”. Algunas veces es necesario retroceder para avanzar, para comprender realmente cuál debe ser la naturaleza de la solución.
Strathmore: ¿Una vez que comprende su naturaleza, cómo la traduce al diseño?
Bass: Mi intención con el trabajo gráfico casi siempre consiste en encontrar una frase visual que sea más de lo que parece a simple vista, o que en cierta forma sea diferente de lo que parece en una primera impresión.
Strathmore: ¿Cuáles son los medios?
Bass: La ambiguedad y la metáfora suelen ser centrales en mi trabajo, y por cierto en el trabajo de la mayoría de los cineastas y diseñadores que admiro. Mi predilección por el estilo indirecto es tanto práctica como estética. Las cosas que son lo que aparentan cumplen su función y pronto se vuelven tediosas. Lo ambiguo es intrínsecamente más interesante, más desafiante, más inclusivo, más misterioso y más potente. Obliga a volver a examinar, agrega tensión, otorga vida; y debido a que hay más a descubrir, tiene mayor longevidad.
Strathmore: ¿Hasta qué punto puede llevarse la ambiguedad?
Bass: El grado de ambiguedad es muy significativo; y varía tanto en términos de cuan apropiado sea para ciertas clases de comunicaciones, y cuan necesario sea para otras. Por supuesto que bajo ciertas circunstancias uno se ve bordeando el filo del oscurantismo. Por el contrario, el empleo tímido de la metáfora lo lleva a uno a correr el riesgo de caer en el aburrimiento. Supongo que no hay nada peor que el aburrimiento.
Strathmore: ¿Para usted sigue siendo un desafío?
Bass: Mi mayor desafío es satisfacer mis propias expectativas. Soy un crítico mucho más duro de mis propias producciones que cualquier cliente con el que me haya topado hasta el presente. En general, tiendo a superar mis ambiciones creativas para el proyecto. Esto aumenta el riesgo. Lo hace más peligroso, pero da vida a todo. La posibilidad de fracaso nos pone muy alertas.
Strathmore: ¿Qué consejo le daría a un joven diseñador que acaba de graduarse?
Bass: Una de la dificultades con que tienen que lidiar los jóvenes diseñadores y los estudiantes es un tema de percepción. Observan los excepcionales trabajos que se están realizando. Lo que ven es el producto final. No tienen conocimiento del proceso. Pueden tener la ilusión de que estas cosas realmente surgen espontáneamente de la cabeza de algún diseñador. Ésta es una percepción muy desconcertante para los jóvenes, porque se pelean con su trabajo. Lo intentan… Lo rehacen… Mejora… Se les escapa… Empeora… Vuelve… Sale. Y quizá sea algo bastante bueno, aun excelente. Pero se dicen a sí mismos: “Caramba, se hace duro y es tan difícil. ¿Realmente serviré para esto?”
Strathmore: ¿Pero qué les hace pensar que sea fácil para otros?
Bass: Existen ciertas características en el trabajo que admiran que alimenta este punto de vista. Una es que una solución realmente buena parece “inevitable”. La otra es que en la preparación el diseñador ha observado minuciosamente cada borde y cada fisura. Puede haber surgido, por ejemplo, como una serie de piezas discretas; diferentes elementos e ideas se juntaron, apelmazaron y comprimieron, se pintaron, laquearon y arenaron, y el resultado a la vista es esta esfera hermosa, impenetrable, monolítica y brillante que parece surgida en ese estado prístino desde el momento del nacimiento. La realidad del asunto es que todo el mundo trabaja para lograrlo. Trabaja muy duro para lograrlo. Y el proceso, para los diseñadores experimentados, es el mismo que el proceso para los que se inician. Todo el mundo trabaja en el emprendimiento. La única diferencia es que el diseñador experimentado ha vivido algo y tiene un seguimiento de su experiencia. Tiene menos ansiedad frente al proceso porque sabe que finalmente llegará adonde apunta. También es un poco menos reactivo. Ha trabajado un poco más, pero el proceso es el mismo. Los diseñadores tienden a alimentar estas percepciones erróneas. Dicen cosas como: “Bueno, estaba en un restaurante y garabateé esto en la servilleta…” o “Me estaba afeitando…“, “Estaba en el avión…” “Iba en el taxi…” o lo que fuere. No lo hacen con maldad, es que realmente les gustaría creer que las cosas sucedieron de esa manera. Nos resulta agradable pensar que puede pasar de esa manera. Y algunas veces es así, pero por lo general, no. De modo que las buenas noticias para los estudiantes son que todos somos iguales. A todos nos pasa lo mismo. Las malas noticias son que las cosas no van a mejorar. ¡A aguantarse!
Strathmore: ¿Cuál es su perspectiva de todo esto?
Bass: Tenemos que ser muy cuidadosos con lo que hacemos y no inflarlo. Es útil e interesante, es divertido, entretenido, aviva nuestro entorno, vigoriza nuestras vidas. Y si bien ocasionalmente puede proveernos un destello de nosotros mismos o de nuestra cultura, no representa una contribución profunda para la humanidad. Nuestra dedicación a lo que hacemos nos lleva a agrandar los valores sociales que adjudicamos a nuestra actividad. Tenemos un rol. Un rol modesto. Y por supuesto, lo queremos cumplir lo mejor que podemos. Lo realmente importante sobre el diseño, sin embargo, es que nos hace sentir a muchos de nosotros realmente bien, ¡y de nuestras vidas se trata!
(esta entrevista fue extraída del libro “Ensayos sobre diseño: diseñadores influyentes de la AGI”, Ediciones Infinito, 2001, Buenos Aires.)
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