A propósito de la Gráfica sonora:
Y como bonus track, un interesante artículo de referencia en pepsounds con un par de bandas de rock en estado puro de los 60’s que no puedes dejar pasar por alto.
Entre la música, el arte y el diseño hay un vínculo muy fuerte. Desde el arte de tapa, pasando por los afiches de lanzamiento de discos, hasta un ‘insignificante’ volante de promoción de un concierto, la gráfica actúa como una síntesis del contenido de la música y la estética de la banda, llegando a veces a convertirse en objeto de colección. Y no sólo pasa por algo estético; en el caso de los afiches y volantes también hay definida una clara función informativa: un cartel llamativo puede que te llame suficientemente la atención como para que voltees a mirarlo y de esa forma enterarte rápidamente que ese mismo día en el lugar anunciado a determinada hora va a estar tocando a un par de cuadras de tu casa esa banda que tenía ganas de ver hace rato, y que quizás de otro modo nunca te hubieras enterado. Así de rápido y efectivo.
En gigposters.com hay toneladas de afiches de gigs. Tanto que si a uno lo enganchan estas cosas, probablemente esté días enteros colgado del sitio. Porque hay de todo: desde las bandas más conocidas hasta las más raritas, pasando por todas las épocas y estilos musicales; desde las piezas más llamativas y refinadas a todo color hasta los clásicos volantes y afiches en b&n.
Las imágenes, en la mayoría de los casos, se muestran a buena resolución, y en su conjunto representan un buen repaso de todos los estilos visuales que se fueron conformando durante el siglo pasado como lenguajes definidos del arte en general y el diseño gráfico.
En cada pieza se especifica, entre otros detalles, el artista/diseñador que lo creó con un enlace a su sitio web. De los que pude llegar a ver, estos son algunos que rescaté: Jermaine Rogers, Darren Grealish, Emek, Mark Heggie y Eye noise. Los afiches también se agrupan según la banda: Pixies, The Cramps, Sonic Youth, The Killers, Misfits… ¡hasta los locales Karamelo Santo!
Es probable que hayan muchos más que valgan la pena ver. Pero eso lo irás descubriendo por tu cuenta.
EL DISEÑO CORTESANO
(…) Un diseñador que sólo se preocupa por “comunicar” ideas que no son propias, o por hacer más “funcionales” objetos industriales, jamás se interrogará: ¿Para qué?, ¿Para quién?, ¿Estoy de acuerdo con el mensaje que estoy difundiendo?, ¿Me parece ético?.
Si el diseñador no se hace estas preguntas, está destinado a ser algo mucho peor que el artista de la burguesía al cual se oponía Otl Aicher. Será un técnico de la comunicación, un especialista en sofisticar y optimizar la obtención de plusvalía en las modernas cortes del universo corporativo. Será un diseñador cortesano.
El proceso de diseño no puede ser verdaderamente racional si excluye de sus consideraciones al sujeto y su psicología, a la experimentación formal, al juego, al arte. El diseño tampoco puede ser considerado una actividad trascendente en tanto sus actores no se interpelen y cuestionen respecto de cuál es su lugar en la sociedad y cuál es el propósito de aquello que les fue demandado. (…)
DG Ramiro Espinoza
Textos como ése, y otros artículos no menos interesantes para diseñadores, pueden leerse en Jazz. También aprovecho para recomendar un libro que leí hace cuatro o cinco años y ahora estoy releyendo, El mundo como proyecto del lúcido Otl Aicher.
Fragmento de la portada del disco ‘Outfall’, de la banda One Hit Wonder. (c) 1997 Winston Smith
Winston Smith es otro collagista que sigue la línea de Jonathon Baker (¿o al revés?). Es muy probable que ya hayan visto algunas de sus obras sin saber que pertenecen a este artista: Contra-revolución de Tijuana No! (un cruce entre el Guernica de Picasso y el realismo social de los murales de Diego Rivera) y el célebre Insomniac de Green Day (con la portada y un poster interior desplegable) son algunas de las placas cuyo artwork pertenece al artista en cuestión.
Como todo artista, Smith comenzó a desarrollar su talento en los rincones del underground, allá por 1970. Un poco más tarde colaboró y trabó amistad con el carismático Jello Biafra, responsable ‘ideológico’ y cantante de la banda Dead Kennedys. De esta forma, las obras del collagista comenzaron a llamar la atención a comienzos de los 80’s con ‘Idol‘, una pieza que causó gran revuelo por su contenido y que fue usada como portada del álbum In God We Trust, Inc. El disco fue censurado consecuentemente en las tiendas de Inglaterra y “condenado” por la American Religious Right. Al igual que el caso de Jamie Reid y los Sex Pistols, Biafra pronto vio el potencial del arte de Smith para comunicar mensajes, por lo que le terminó confiando el logotipo del grupo y el arte de todos sus discos.
Casi tres décadas después, los collages de Smith siguen teniendo una veta política, aunque también fue incorporando elementos clásicos del surrealismo. En todo este tiempo fue ganando poco a poco su merecido reconocimiento, expandiendo su campo de acción en la escena underground punk a otros géneros, y a otros lugares más populares del mainstream. Una buena cantidad de bandas y músicos dejaron en manos de Smith el arte de sus discos; varias publicaciones como Spin, Playboy y Atlantic Monthly han exhibido sus ilustraciones en varias de sus columnas; y algunas menciones como “Best Cover Illustration” de parte de la Asociación Alternativa Newsweekmiente contribuyeron a difundir su obra a escala nacional e internacional.
Smith También lleva publicada hasta la fecha una trilogía de libros donde exhibe sus trabajos a todo color y en gran tamaño: Act like nothing’s wrong (1984), All Riot on the Western Front (2004) y Artcrime (1994), el cual contiene un interesante prólogo escrito por el mismísimo Jello Biafra. A continuación, una traducción de ese texto al castellano:
El diseño debe ser, hoy por hoy, una de las profesiones más tergiversadas. Todo el mundo sabe a ciencia cierta qué hace un arquitecto, o un médico, pero lo cierto es que nadie - o muy pocos- saben cuál es la tarea fundamental de un diseñador. Ni siquiera los mismos diseñadores. El común de la gente suele pensar que todo consiste en saber dibujar o dominar las herramientas de los programas gráficos, o en realizar únicamente grandes piruetas cosméticas consistentes en vender cosas superfluas. Hay algo de verdad en todo eso, pero tan sólo es una pequeña parte de todo el rollo.
Como toda profesión, ya sea la de un abogado, ingeniero, médico o artista, el diseño también está sujeto a las funciones del mercado, y nunca faltarán aquellos que están dispuestos a hacer lo que sea con tal de acariciarle la cola al dios del dinero, dirigiendo todos sus esfuerzos en pos de decorar el caos “y hasta a veces la nada- para que sea consumida compulsivamente por millones de almas, escudándose de cualquier posible crítica detrás del viejo argumento de la “misión profesional”. De ahí quizás, es que surge la generalizada percepción mercantilista y publicista del asunto… Pero por fortuna hay diseñadores con principios y que escapan a ese perfil, o al menos son capaces de intentarlo.
Pero la culpa no es de la gente, sino de los mismos diseñadores que ni siquera hasta el día de hoy han podido ponerse de acuerdo en lo que respecta a los alcances de la profesión. A eso se le suma una gran cantidad de ‘ladrones’ que suelen jugar con la ignorancia y el bolsillo de la gente y les terminan vendiendo cosas realmente inútiles, o mal hechas.
Para un entendimiento rápido, pueden quedarse con la idea generalizadora de que diseñar consiste en comunicar (en este caso visualmente) un mensaje, destinado a influir en el pensamiento y en la conducta de la gente. Qué se comunica, cómo, y con qué fin, eso depende de cada uno, o mejor dicho, del cliente. En ese complejo proceso que resumido así pareciera ser demasiado simple, recién y sólo recién el último paso consiste en sentarse a “dibujar”, a “photoshopear”, o como prefieran llamarlo.
Un último consejo a todos los colegas universitarios, diplomados o no, que viven quejándose acerca de la “errónea concepción” del diseño por parte de la gente y de los clientes y de todos aquellos que se ganan la vida con esto y no fueron a estudiar a la universidad: es más productivo sentarse a investigar y mejorar lo que uno hace “siempre se puede mejorar”, que protestar por algo de lo que ni siquiera se hace cargo.
No sé porqué me colgué hablando de todo esto… la idea inicial del post era recomendar un artículo aparecido recientemente en efímera, que trata de un tema del cual se suele hablar poco y nada: los derechos de autor que tienen los diseñadores sobre sus obras.
En fin, ahí la tienen.
Jamie Reid es el célebre diseñador que le puso un alfiler de gancho al labio de la reina Isabel durante los actos del Jubileo en Inglaterra en 1977, y el autor de la elegida como mejor portada de disco de todos los tiempos. No sólo ejerció una gran influencia en diseñadores posteriores de la talla de Neville Brody y Vaughan Oliver; también lo hizo con el proceso del diseño en particular: fue el primero en lograr adaptar el espíritu del movimiento punk a las posibilidades técnicas de la gráfica, impulsando la democratización del proceso de autogestión y anulando las divisiones entre la habilidad expresiva y creativa, y lo meramente cotidiano.
El pasado viernes 16 falleció Juan Fresán, publicista, director de arte y diseñador pionero en Argentina. Su obra, inmensa, alguna vez supo acercarse al mundo de la literatura con dos libro-objetos que todo diseñador no debería dejar de apreciar en cuanto a su aplicación y experimentación. Uno es una biografía gráfica de Borges que combina fotos intervenidas con frases y definiciones. El otro, es una ‘traducción al diseño’ del relato Casa Tomada de Cortázar, con un interesantísimo juego de experimentación tipográfica que acompaña al desarrollo del cuento: el plano de la casa se reitera en todas sus páginas, mientras que el texto va ocupando su totalidad o parte de él según la situación de los personajes. La última frase del libro termina en la calle.
Otro de los libro-objeto que editó fue The Pencil Book: un pseudo ensayo con ochenta consejos escritos especialmente para la gente de la comunicación gráfica en busca de inspiración.
Beast es el nombre de una de las publicaciones pioneras virtuales en haber aprovechado y explotado el formato .PDF para su difusión gratuita por la web. Después de su aparición inicial comenzaron a proliferar por doquier los clones e imitadores, como suele suceder habitualmente con cualquier fenómeno relativamente original. Básicamente, Beast es una revista orientada al diseño “de inspiración”, con un estilo muy cercano al de David Carson, aunque mucho más freak, lo-fi, reventado y bizarro. Cada número está enmarcado bajo una temática particular a partir de la cual se desarrollan sus contenidos. La mayoría de las piezas visuales que pueblan sus páginas pertenecen a su fundador, Thomas Schostok, aunque el espacio también es compartido por artistas de todo el mundo. Esta publicación virtual tuvo tanto éxito en su momento que a Thomas Schostok le llovieron ofrecimientos para editar un suculento libro impreso.
El número inaugural salido a mediados del 2001 y los 11 fascículos mensuales sucesivos que componen “la colección” aún se encuentran disponibles en su sitio web para su descarga. También pueden chequear el resto del sitio de Schostok para ver sus trabajos, tan caóticos como la propia revista.
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. Si no tienes ni puta idea de qué se trata todo eso, te recomiendo leer un par de artículos que marcarán un antes y un después en tu maravillosa ciberexistencia.
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