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Después de ver por primera vez cualquier film del japonés Takashi Miike (o prácticamente cualquier film proveniente de Japón, y oriente en general) uno vuelve a recordar, o termina de convencerse -sin dejar de sorprenderse- de que efectivamente hay vida después de Hollywood. Que hay historias mucho más interesantes que las que suele contar el celuloide made in USA al que tanto nos ha acostumbrado el mercado del cine, y que pueden ser contadas también desde otro ángulo.
Luego de ver un segundo film de Miike, uno ya va presintiendo que este señor cuenta con una visión muy particular del mundo, alguna pizca de locura, sana demencia o imaginación retorcida traducida de forma efectiva y natural al arte al que se dedica (mucha más de la que pueda llegar a presenciar en cualquier obra de Lynch, Cronemberg y/o Tarantino), ningún interés en la adoración de las masas y poco interés por encasillarse a un género establecido, creando el suyo propio. Y el hecho de que no haya estudiado la carrera, se traduce en un respeto inexistente por las reglas de la academia a las que suele adherir e imponer el cine en general.
Al tercer film uno termina de corroborar ese presentimiento y para ese entonces ya no hay marcha atrás: la lente particular de Miike habrá seducido por completo al espectador, el cual tratará de procurarse a partir de allí y en la medida en que le sea posible, cualquier otro largometraje que lleve puesta la firma del director. Que no son pocos (más de 40). Y ni hablar si se tiene en cuenta también el total de su filmografía, lo que incluye miniseries televisivas y otras producciones en las que coopera, incluso las que sólo aparece como actor. No deja tampoco de sorprender la frecuencia con la que concibe sus films en tan sólo un año (hasta cuatro), ni el tiempo relativamente ínfimo en el que produjo toda esa batería de proyección audiovisual hasta la actualidad: desde 1991, Miike ha venido demostrando que es una auténtica máquina descontrolada de filmar, sin caer en la repetición calcada o la pérdida de calidad que ello pueda llegar a suponer.
Sólo después de leer su biografía, es que uno comienza a comprender de a poco el porqué del cine de Miike, que toda esa carga explícita de locura, violencia, sadismo, perversión y otras temáticas obsesivas de sus films no aparecen allí por puro cliché o capricho infundado. En este sentido, quizás algunas de sus palabras sean más que esclarecedoras.
Las recomendadas: Dead or Alive (2000), Audition (2000), The City of Lost Souls (2000), Graveyard of honour (2002, reversión del film original del ‘76 de Kinji Fukasaku, creador de la célebre Battle Royale), Gozu (2003) y seguramente muchas otras más que aún no tuve oportunidad de ver. Que no son fáciles de conseguir a causa de los tradicionales sistemas de distribución que no despegan el ojo de todo aquello que suponga un éxito de taquilla de ventas millonarias. Pero mientras tanto estaré atento a todo ciclo o festival independiente local donde se proyecten sus películas, y ocupando el ancho de banda en descargarme de la red P2P todo lo relacionado a Miike que encuentre por allí. Ustedes, ¿qué esperan?
Otras entrevistas:
Escrito por chinaski · Comentarios (12)
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Allá por los años 50s, grandes directores de cine como Otto Preminguer o Alfred Hitchcock sintieron la necesidad de enriquecer y darle un toque de distinción a las presentaciones de sus films. Así fue que contrataron a Saul Bass, quien marcó un antes y después en lo referente al diseño de secuencias de los títulos de crédito.
La característica esencial de las obras de Bass se encamina hacia la síntesis del mensaje: comunicar una idea con la menor cantidad de recursos. Supo articular, antes que nadie, los títulos de crédito con la gráfica promocional del film (ej. afiches) y con el film en sí (continuidad/coherencia), y en lugar de acudir a las figuras del cine de su época, se sirvió de los más simples elementos gráficos en pos de destacar el concepto de la obra. En épocas anteriores, los títulos de crédito se trataban de un simple fondo negro donde se apoyaba la información dispuesta sin mucho criterio. Hasta que llegó Bass.
En 1958 diseñó los títulos de crédito del film Vertigo y dos años más tarde los de Psicosis, donde además hizo sus aportes al storyboard de la famosa escena en la ducha. También diseño varios afiches y trabajó como asesor de imagen en films como Spartacus (1961) de Stanley Kubrick y Amor sin barreras (1961) de Wise y Robins, dos superproducciones en las que se explotó el formato cinemascope en su amplitud. Más recientemente, logró concebir muy buenos diseños en films como Alien de Ridley Scott (1979), La edad de la inocencia (1993) y Casino (1995), ambas de Scorsese. (más detalles)
A partir de sus primeras innovaciones, la obra de Bass abrió el camino a toda una corriente innovadora inglesa en los 60’s que al poco tiempo se manifestó en un marcada tendencia experimental que incorporaba caracteres transferibles, variables tipográficas y empujaba los límites de la legibilidad hasta los límites. Esto puede observarse claramente en la serie televisiva de Los Vengadores y en los films de James Bond. Más recientemente evolucionó en el diseño contemporáneo de algunos estudios estadounidenses y personajes de renombre como Kyle Cooper (títulos de crédito de Se7en).
Para finalizar el artículo, aquí les dejo una transcripción de una entrevista a Saul Bass, que resume un poco el pensamiento creativo y su concepción sobre el diseño:
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Escrito por chinaski · Comentarios (4)
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Anoche estuve mirando un viejo tomo de una enciclopedia editada en los 80’s acerca de la historia del rock, con las hojas ya todas amarillentas a punto de salirse del lomo que las contiene, pero con la información intacta. En medio de todo el maremagnum de referencias biográficas de todas las épocas que abundan en su interior es que se cuelan unos ‘mapas gráficos’ bastante interesantes, de los cuales me queda la sospecha de haberlos visto anteriormente en alguna otra publicación.
Entre todos ellos encontré uno centrado en el movimiento punk y new wave neoyorkino de mediados de los 70, aquel combo formado por The Ramones, Patti Smith, Blondie, Television… El organigrama en cuestión resume con extrema claridad y sencillez, la relación entre esas diferentes bandas y sus diferentes formaciones a lo largo del tiempo:
(click en la imagen para agrandar)
Y ya que estamos en tema, paso a recomendar Blank Generation, un documental de Amos Poe e Ivan Kral filmado en el ‘76 en las tarimas del CBGB y titulado así en referencia directa al primer disco de Richard Hell and The Voidoids. Considerado como un clásico de culto, el film es bastante ‘casero’, fiel al do it yourself. Testimonio directo audiovisual del nacimiento de este movimiento, contiene performances en vivo de Blondie, Talking Heads, Johnny Thunders & the Heartbreakers, Patti Smith, etc.
Escrito por chinaski · Comentarios (19)
7.11.2004 / Spun
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A la derecha, Ross, intercambiando anécdotas con El cocinero, el fabricante de speed.
La historia cuenta que Ross (Jason Schwartzman) es un adicto al speed y que, después de que su dealer se encuentra imposibilitado de suministrarle la droga, no le queda otra que hacerle un par de trabajos a El cocinero (Mickey Rourke), el fabricante de la sustancia. Así se ve envuelto en una vertiginosa aventura de tres días de esnife y chute sostenido, acompañado por un excéntrico grupo de personajes (entre los que se encuentra la diva de Deborah Harris -Blondie- interpretando un papel secundario).
Spun (2002, EE.UU.), mix de comedia y drama, tiene mucho de videoclip en cuanto al tratamiento visual y temporal. Y es que fue dirigida por el sueco Jonas Akerlund, antiguo director de videos de Moby, U2 y Madonna, entre otros. Para estas alturas, el film ya se puede descargar de la red P2P, e imagino que también estará rodando por cualquier videoclub.
Personalmente, quizás esperaba un poco más, guiado sobre todo por un par de recomendaciones de algunos allegados. Por momentos -y sólo por momentos- me hizo acordar vagamente a Miedo y asco en Las Vegas, y de ninguna forma se aleja del estereotipo del film hollywoodense al cual nos tienen acostumbrados. Si buscan encontrarse con algo diferente, prueben por otros lados: tal vez el cine oriental contemporáneo, del cual hablaré en cualquier momento. Aunque para una noche en la que uno no tiene mucho que hacer ni ganas de ver lo que acontece en el mundo exterior, Spun llega a ser motivo suficiente como para quedarse puertas adentro y entretenerse un rato con la cola pegada a la silla mimosa y los ojos clavados en la pantalla. Con un paquete de cigarrillos a mano, o una bolsa de pochoclos, o alguna botella de esa bebida que tanto disfrutan, o… a su gusto.
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17.10.2004 / Cine Z
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Divine, la persona más viciosa de la ciudad.
Este último sábado tuve la oportunidad de ver en pantalla grande Pink Flamingos (1972; color) de John Waters, uno de los mayores artífices del cine trash. Creo que debe ser, por lejos, la película más retorcida que vi hasta la fecha.
Básicamente el film trata de una competencia entre la familia de Divine (un travesti muy muy asqueroso) y la de los Marble (una pareja que vive de la venta ilegal de bebés), por ostentar el título de “la gente más viciosa de la ciudad”. Partiendo de ese argumento, la pantalla comienza a desplegar, en los más de 100 minutos que dura el film, una amplia gama de locuras y perversiones: anos parlantes, sacrificio de gallinas durante el climax sexual, ingesta masiva de huevos revueltos… en fin, una retorcidísima comedia para reírse un rato, acompañada por una banda sonora de rock instrumental pre-beatles de los 50’s (Surfin’ bird, The Rebels, etc.)
Es la primera vez que se proyecta esta película en la Argentina; si quieren verla pueden darse una vuelta por el cine del MALBA el sábado 30 a las 24:00hs. La entrada cuesta $5 ($2,50 con constancia de estudiante). El resto del mundo puede probar a conseguirla en DVD o VHS o descargársela de la red edonkey.
Otra que estarán dando ahí el sábado 23 a la misma hora es Polyester (1981), también de John Waters. Y si no les alcanza, el cine del MALBA también estrena este mes otro clásico bizarro: Freaks (1932) de Tod Browning, considerada como una maestra del género.
Más sobre John Waters
Escrito por chinaski · Comentarios (7)
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No hace mucho tiempo vi en el cable un film que me llamó la atención, principalmente por el particular estilo visual en el que se presentaba, y por los curiosos diálogos que los personajes sostenían en cada escena. Se trataba de Despertando a la vida (Waking Life, Richard Linklater, EE.UU., 2001) , un film animado para adultos que nada tiene que ver con el anime ni tampoco con la clase de película habitual que uno está acostumbrado a ver.
Básicamente, Walking Life es un relato surrealista que gira en torno a los viejos cuestionamientos filosóficos que el hombre se viene haciendo desde hace siglos y para los cuales no hay solución o respuesta definitiva: el sentido de la vida, la evolución, la religión, los sueños, etc. Así se van sucediendo, uno tras otro, los diferentes diálogos que componen la película. Personajes existencialistas, posmodernos, nihilistas, evolucionistas, psicodélicos, etc. dialogan con el protagonista con un grado de verborragia tal en el que es muy fácil perderse, y cuyo campo de acción transcurre en una línea muy difusa entre lo real y lo soñado.
La película fue primero filmada por Linklater en formato digital, y a partir de ahí, convocó a una buena cantidad de artistas para que pinten libremente todas las escenas, cuyo resultado final me recuerda por momentos a las cosas que solían verse en el programa de ‘Caloi en su tinta’.
No voy a hablar en concreto del disparador de la historia, el móvil del personaje principal, etc. por cuestiones obvias. Si quieren enterarse, pueden probar suerte en el cable (Cinecanal) o darse una vuelta por el videoclub.
Escrito por chinaski · Comentarios (17)
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El canadiense Ron Mann es un célebre documentalista underground cuyo cine se centra básicamente en registrar los fenómenos de la cultura alternativa y de las diferentes subculturas de nuestro tiempo.
Coincidiendo con la reciente presentación comercial en la Argentina del DVD de su film ‘Grass’ (encaminado a desmitificar los demonios y falsos discursos en torno a la marihuana) impulsada por la revista La Mano, a partir del viernes 13 hasta el viernes 20 se realizará, en la sala Leopoldo Lugones del Teatro Municipal San Martín, una completa retrospectiva de la obra de Mann.
Entre los varios films que se proyectarán, quiero resaltar el que lleva por título Poetry in motion, un registro cinematográfico de más de 25 escritores -Burroughs, Bukowski, Ginsberg, Waits, etc.- recitando sus propios poemas. El film tendrá lugar el sábado 14. Imperdible.
UPDATE: en el suplemento Radar del periódico Página/12 de este domingo pueden leer una reseña con información más precisa acerca de la restrospectiva en cuestión y las demás películas a proyectarse.
Escrito por chinaski · Comentarios (9)
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Ya salió el número 4 de La Torre Eiffel, sitio web dedicado al cine, la tv y la literatura, y en donde me desempeño como diseñador desde sus comienzos.
En esta ocasión, La Torre Eiffel presenta:
- dos balances acerca del pasado BAFICI (Festival Internacional de Cine Independiente en Buenos Aires) de este año;
- un dossier sobre Raymundo Gleizer, con un artículo que repasa su vida y obra y una nota que los directores del film autobiográfico “Raymundo” escribieron especialmente para el sitio;
- una nota acerca de los juegos del lenguaje de Julio Cortázar filtrados por el cine de Michelangelo Antonioni y Brian De Palma;
- dos de documentales: reflexiones con motivo del estreno de la última película de Fernando Pino Solanas, “Memoria del saqueo”; y un artículo con la secuencia final de lo que fue el guión de “Operación Masacre”, película de Jorge Cedrón, basada en la investigación y los textos de Rodolfo Walsh;
- y la recomendación un lugar muy particular en el barrio de Flores donde conseguir películas en VHS a precios casi regalados.
Pasen y vean.
Escrito por chinaski · Comentarios (0)
